Moda años 1930- 1980

1930-1940

  Fue lanzado el  sombrero  Adrian's de terciopelo gastado en punta sobre un ojo por Greta Garbo en Romance (1930)

Se presentó el cierre de cremallera , de fibra sintética, trajes sencillos con toques de color

  Las curvas femeninas se destacaron en la década de 1930 a través del uso de la parcialidad de corte en los vestidos

Nacimiento del estilo pin-up 

Un Pin-up es una fotografía u otro tipo de ilustración de una chica bonita en actitud sugerente o incluso, nada más que con una sonrisa, saludando o mirando a la cámara fotográfica, que suele figurar en las portadas de revistas, comic-books o calendarios, etc.

1940-1950

Los artículos de moda que se hicieron populares eran los zapatos de cuña, el turbante, el traje de sirena y el manto de canguro

1943

En el cuarto año de la guerra, la tela se ha convirtió en un producto caro. La economía de la tela era esencial;las revistas ofrecen consejos sobre cómo reciclar la ropa vieja. La mayoría de los modelos se componen de dos telas diferentes para que puedan hacerse mediante la reutilización de partes de prendas

1950-1960

La ropa de 1950 se convierte en ropa elegante, extravagante y con mucho estilo. La figura femenina vuelve a ser resaltada en sus curvas a través del uso de los corsés, que desde los 20 hasta los 40 habían caído en desuso.

Dentro de la ropa de alta costura, era muy común encontrar trajes y vestidos hechos con telas muy costosas, como seda de calidad y cashmere, y con bordados increíbles. En esta misma década, Christian Dior crea un nuevo estilo de vestidos pensado especialmente para la mujer elegante. Este estilo se lo conoce como "mujer flor". Este nombre surge de la forma del diseño de sus vestidos, que eran pequeños en los hombros, ajustados en la cintura y con una pollera.

1960-1970

los corsés comenzaron a ser vistos como un insulto a la mujer, ya que eran muy malos para la salud y sólo se los usaba para que la mujer pudiera tener una figura de reloj de arena que satisficiera a los hombres.

Es entonces que surge una moda muy característica de principios de los 60, en donde las mujeres usaban el pelo muy corto y los vestidos sueltos, sin resaltar la cintura ni la forma femenina.

Una época en donde se vivía la euforia por el futuro y lo espacial, hizo que el color blanco y el plateado sean furor. Tanto la ropa como el maquillaje parecían llegar directamente del espacio.

1970 - 1980

ahora se llevan varios estilos a la vez, por un lado el hippie,

 la moda disco, las plataformas, los pantalones de campana, las melenas y el look Travolta, La silueta vuelve a marcar las formas del cuerpo y se ciñe como nunca, los pantalones y las camisetas son como una segunda piel

Colección Primavera-Verano

Colección con inspiración Frida Kahlo

 Una colección es un conjunto de prendas destinada a una temporada en concreto, creada dentro de los parámetros de moda que han sido previamente elegidos y que tiene una coherencia interna en cuanto a unidad formal, funcional y de estilo.
En este caso nuestra colección es para la temporada  primavera- verano .Con inspiración en la famosa pintora mexicana Frida Kahlo,como ejemplo las siguientes imágenes de la elaboración de ésta.

El target
La definición del ‘target’ o público objetivo se llevará a cabo de acuerdo a tres clases de criterio: el criterio sociodemográfico (variables como sexo, edad, o nivel de estudios); criterio socioeconómico (nivel de ingresos, horizonte de consumo o clase social); y criterio psicográfico (personalidad, estilo de vida y sistema de valores).

El mood board
Puede ser un conjunto de imágenes,recortes, materiales de decoración, accesorios, muestras de pinturas, etc., en general todo aquello que sirva al diseñador  para transmitir visualmente la sensación que quiera dar a lo que pretenda crear.Un moodboard evita confusiones y posteriores desviaciones de la idea original. Sirve también para, en caso de querer agregar elementos a la idea, ver si estos la complementan o no.
 

Creación de los diseños 
Se elaboran  los figurines con las prendas finales de la colección. Éstas prendas serán confeccionadas con todos los aspectos y detalles del diseño.

Traje Típico Puebla

Puebla

Hoy en día, en el traje típico de la mujer de Puebla predominan las prendas prehispánicas, como el quesquémetl (Prenda hecha con dos rectángulos de tela unidos formando un poncho corto de algodón), el enredo y la faja, que son muy variados y a veces complejos.  Pero se conservan y resaltan en este las características del vestido de china poblana.

El atuendo tradicional de la china poblana estaba compuesto por:

Una blusa blanca, con labores de deshilado y bordado de seda y chaquira con motivos geométricos y florales en colores vivos.

La blusa es escotada y muestra una parte del  cuello y de su pecho.

Una falda llamada castor, por el nombre de la tela con que era hecha..

El castor, o falda —llamada también zagalejo—, consta de dos secciones: la superior de unos 25 centímetros aproximadamente, de percal o de seda verde llamada corte; y la inferior, que es propiamente la falda, de color rojo vivo con dibujos negros, cubierta con lentejuela, y debe llegar hasta los tobillos.

Según algunas opiniones, el castor (la tela) era empleado por las patronas de las casas ricas para la confección de las enaguas de sus criadas indígenas. El castor era trabajado con lentejuelas y camarones que formaban dibujos geométricos y florales. Los grupos de danza folclórica han popularizado una versión que lleva bordado en lentejuelas, chaquiras y canutillos el Escudo Nacional de México. Unos porabajos(calzones) blancos, con las puntas enchiladas, es decir, con el borde inferior orlado por un encaje de motivos zigzagueantes. Los porabajos de una china poblana asomaban bajo su castor.

Una banda que servía para sujetar el castor y los porabajos a la cintura de la mujer que lo portaba. La banda podía estar trabajada con labores de bordado o no, o bien, ser tejida en técnica de brocado.

Un rebozo, que podía ser de seda  o de bolita, en el mayor de los casos. El rebozo es una prenda muy común en México, aun en la actualidad. Lo usan las mujeres para cubrirse del frío, pero también era empleado para cargar bebés o cualquier otra cosa cuyo tamaño y peso hicieran difícil llevarlo entre las manos.

 El rebozo de bolita, que era el más comúnmente empleado por las chinas, era tejido con hilos de color azul y blanco, y tuvo como cuna el poblado otomí de Santa María del Río.

Respecto al calzado, se dice que a pesar de sus carencias financieras, una china no dejaba de usar zapatos de raso bordados con hilos de seda.

En algunos escritos mexicanos del siglo XIX el uso de este tipo de calzado aparece como una señal de ser mujer alegre.

 Agregan, además, que la china complementaba el atuendo con abalorios y joyas que adornaban sus orejas, el descubierto pecho, y las manos.

La vestimenta del hombre de Puebla que hoy acompaña a la china poblana moderna es similar al tradicional del charro, pero originalmente el traje de varón en Puebla tiene detalles muy peculiares que lo hacen diferente.

Por ejemplo, el acampanado de los pantalones, la faja de la cintura, la camisa con un ornamentado distinto y el paliacate en la cabeza que en conjunto con el traje no portan ningún tipo de adorno ni cascabeles como el convencional charro mexicano.

Profundidad de Campo

La profundidad de campo es la distancia por delante y por detrás del punto enfocado que aparece con nitidez en una foto.

Aproximadamente la distancia nítida es el doble por detrás del punto enfocado que por delante.

Hay 3 elementos que hacen variar la profundidad de campo:

- La apertura de diafragma

A mayor apertura de diafragma menor profundidad de campo.

Como se ve en la imagen, la foto hecha a f/2.8 (mayor apertura de diafragma) tiene una profundidad de campo menor.

Igualmente, vemos que la foto hecha a f/22 (menor apertura de diafragma) tiene una profundidad de campo mayor.

- La distancia focal (zoom)

A mayor distancia focal (más zoom) menor profundidad de campo.

Como se ve en la imagen, la foto hecha con un zoom de 35 mm tiene una profundidad de campo mayor que la foto hecha con un zoom de 100 mm.

- La distancia real entre la cámara y el punto enfocado.

Cuanto menor es la distancia al sujeto que se enfoca menor es la profundidad de campo.

Como se ve en la imagen, la foto hecha a 1.5 metros del sujeto tiene una profundidad de campo menor que la foto hecha a 4.5 metros.

¿Cómo utilizo la profundidad de campo en mis fotos?

Al hacer una foto plantéate qué partes de la escena quieres enfocadas y qué partes no.

• Profundidad de campo reducida: Utilizar una profundidad de campo reducida puede ayudarte a destacar un elemento sobre el fondo (o sobre un primer plano) y también puede aislar un objeto.
• Profundidad de campo amplia: Sirve para sacar toda la escena lo más nítida posible y no obviar ningún detalle.

Prueba a jugar con ella. Haz dos fotos del mismo motivo de las dos maneras y compáralas.

Dos ejemplos del uso de la profundidad de campo.

En la foto de la ardilla se utiliza una profundidad de campo reducida porque el fondo carecía de interés. Emborronándolo le daba mucho más protagonismo a la ardilla. La apertura de diafragma en ese disparo era de f5,6 y la distancia focal era de 100mm.

En la foto del paisaje, se amplio la profundidad de campo considerablemente, para sacar nítido tanto el banco como el trigal como el horizonte. Para ello se enfoca en el banco y ajusta la apertura de diafragma a f16 y distancia focal de 17mm.

Giorgio Armani

Desde la década de los ochenta, en que la moda cobró un espacio más que primordial en la sociedad, Giorgio Armani, que se desenvolvió en dicho circuito desde muy joven, supo trasladar las tendencias nacidas en su Italia natal a todo el mundo, y de esta manera crear su emporio.

Fue durante esa década que Armani llegó a la boca de todos, cuando se encargó de vestir al actor Richard Gere para la película "American Gigoló". Poco después, la prestigiosa revista Time le dedicó una portada, con el que el diseñador logró conquistar los Estados Unidos.

Hoy, Giorgio Armani es uno de los modistos preferido por las estrellas de Hollywood, y entre sus clientes más fieles se encuentran Robert de Niro, Benicio del Toro, Diane Keaton, Sofía Loren, Russell Crowe, Gwyneth Paltrow, Joaquin Phoenix y el director Ang Lee.

Pero el diseñador desde siempre ha mantenido una relación muy estrecha con el mundo del cine, creando el vestuario para diversos filmes de renombre, tales como "Los intocables de Elliot Ness" de Brian de Palma, "Belleza robada" de Bertolucci, "Algo que recordar" de Don Roos, entre otros.

No obstante, no sólo el cine es uno de los mundos que Armani ha logrado conquistar con su estilo único e innovador, ya que además se encarga de vestir a los integrantes de los equipos de fútbol de Italia e Inglaterra, al personal de las líneas aéreas de Alitalia, y muchos otros.

La prensa lo ha apodado con el alias de Maximus Armani el emperador, debido al enorme éxito que ha logrado tener en su profesión, pero sobre todo por haber transformado la moda y renovado su idiosincrasia, lo que lo condujo a construir un verdadero imperio.

Según sus propias palabras, el éxito se encuentra en la fortaleza que una persona invierta en su misión, y al respecto aseguró: "Hace falta ser muy fuerte, porque quien es frágil no llega. En mi caso, pongo mucha obstinación por qué temo el fracaso, aun el más pequeño".

Es uno de los integrantes del ranking de los millonarios a nivel mundial que elabora dicha publicación, ya que en la actualidad se estima que la fortuna de Armani ronda los 5.300 millones de dólares.

Nacido en la ciudad de Piacenza, en Emilia-Romagna, el 11 de julio de 1934, desde muy pequeño demostró tener actitudes de liderazgo, pero sobre todo se vislumbraba en él a un ser muy emotivo que lograba conmoverse con el arte, aún sin todavía comprenderlo.

Esto lo llevó en primera instancia a interesarse por el mundo de la fotografía, y durante años realizó diversos cursos para mejorar su estilo.

Los años pasaron y aquel adolescente se convirtió en un hombre que decidió comenzar la carrera de medicina, para lo cual se trasladó a la ciudad de Milán para asistir a la universidad homónima.

En el año 1957 debió abandonar sus estudios para llevar a cabo el servicio militar, y a su regreso decidió que ya no volvería a su ciudad natal, y se radicó en Milán donde comenzó a trabajar como diseñador de escaparates.

A la par, también trabajaba como ayudante de fotografía, colaborando con profesionales del ámbito de la moda. Fue en aquel momento que Giorgio logra darse cuenta para qué había nacido.

Durante los años que van desde 1961 hasta 1970, trabajó como diseñador en la casa de modas Nino Cerruti, y esta década le sirvió no sólo para profundizar en su vocación, sino también para sorprender a todos con un innato talento.

Se convirtió en la estrella del plantel de diseñadores de Cerruti, y ese posiblemente fue el detonante para que Giorgio Armani decidiera independizarse y fundar su propio imperio de la moda.

En primera instancia, en el año 1974 fundó junto con su socio Sergio Galeotti la llamada sociedad Armani, que en principio se dedicó al diseño de ropa masculina, y un año después inició también la línea femenina de su marca, cuando su hermana Rosanna Armani se incorporó a la empresa.

Si bien se sabe que el 21 de julio de 1975 fue el inicio de la firma de Giorgio Armani, momento en el cual lanzó al mundo su línea prét-&-porter para hombres y mujeres, lo cierto es que uno de los mayores hitos de su carrera independiente ocurrió en 1976, durante la prestigiosa Sala Bianca de Florencia.

Fue en aquel desfile que Giorgio Armani logró imponerse con un estilo que en su momento fue considerado realmente revolucionario, con tendencias que se volcaban a la naturalidad y a desectructurar por completo la moda.

Después de los cambios introducidos por Armani en las concepciones del mundo de la moda, llegaría su consagración definitiva, cuando en el año 1982 ocupó la portada de la revista Time, una de las publicaciones más prestigiosas del mundo.

Luego de esto, las puertas del planeta se abrieron para él, ubicándose en el mismo pedestal que sólo había sido ocupado por Christian Dior.

A partir de allí, su estilo incomparable comenzó a delinear y definir las tendencias mundiales. Según las propias palabras de Giorgio Armani, el estilo "es una cuestión de elegancia, no sólo de estética. El estilo es tener el coraje de hacer la propia elección y también el coraje de decir no. Es encontrar la novedad y la idea sin recurrir a la extravagancia".

En el año 1985 Armani debió enfrentar una de las noticias más duras de su vida, ya que su amigo y socio Sergio Galeotti moría después de padecer durante meses el deterioro físico provocado por ser portador de HIV.

Con el paso de los años, el diseñador logró fundar su "Emporio Armani", el cual consiste básicamente en un tipo de almacén en la que se vende ropa y diversos accesorios tales como gafas de sol, relojes, perfumes, cosméticos y hasta chocolates de la marca Armani/Dulces.

Estas tiendas se han extendido por todo el planeta, con un importante número de locales ubicados en más de 36 países y más de 10 fábricas diseminadas por todo el mundo.

Al respecto, Giorgio Armani ha asegurado: "El Emporio Armani es muy importante para mí. Fue una suerte de apuesta entre los otros y yo, un proyecto ambicioso que muchos adoptarían luego. Es un lugar donde se puede comprar el estilo Armani a precios apropiados para el mundo de hoy. No me molestaría que me recordaran como el que creó el Emporio".

Su talento y visión le permitieron convertirse en uno de los hombres más ricos del planeta, y el diseñador de modas que posee la fortuna más valuada.

Evaluando su pasado y su futuro, ya a sus 76 años, Armani analizó: "Personalmente he conseguido mucho de la vida. Soy rico, era guapo, he tenido historias de amor y podría tener otras. Ciertamente, no he tenido todo, pero he tenido mucho. Soy famoso en todo el mundo y, cosa maravillosa, también soy amado. La otra cara de la moneda es que estoy convencido de haber llegado a un punto en el que debo recomenzar todo desde el principio. Tengo que ser capaz de ponerme a mí mismo en tela de juicio. Está bien que sea así. Empezar siempre es positivo. Más que llegar".

Ilustracion plana

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Ilustración plana en diseño de Modas

 La ilustración de las prendas en plano es una disciplina que permite esquematizar, simplificar y visualizar los diseños de vestuario. Se trata de un modo básico de diseñar y representar las propias creaciones.

 A través de la ilustración, los diseñadores traducen las ideas que serán plasmadas luego en el género. Para transmitir exactamente las formas que ha concebido, todo creador de moda debe manejar el lenguaje básico del dibujo plano de prendas.

"Diseñar no es solo dibujar" ...

Muchas personas creen que el diseño de moda consiste en saber dibujar bien y tener imaginación, nada más lejos de la realidad, lo principal es saber que el figurín va de la mano con el patronaje, y es algo por lo que hay que pasar para ser un buen diseñador, sin patronaje no puedes llegar a nada, a confeccionar una prenda.

El dibujo del figurín es puramente para dar el gusto al diseñador de que realmente está haciendo lo que soñó, pero nunca es un método totalmente efectivo, en ocasiones el diseñador tiende a hacer figuras demasiado estilizadas en las que es imposible aplicar cada uno de los detalles que va a llevar la prenda, es una gran herramienta para plasmar una primera idea, y para hacer bonito, pero ahí se queda.El dibujo del figurín nos es útil para dar a conocer la idea, los materiales, colores de la prenda.

Para crear una prenda, lo necesario es saber hacer el dibujo en plano, es decir, un dibujo de la prenda como si la tuviéramos plana sobre una mesa, por delante y por detrás, con cada uno de los detalles, pespuntes, botones, costuras, pinzas, etc… todo ello marcado con el grosor correspondiente de rotulador, para que a primera vista sepas que es una abertura y que es una doblez.. De este dibujo en plano, se puede hacer una versión coloreada para dar un poco de realismo a la prenda.

Christian Dior

Christian Dior

Christian Dior nace un 21 de Enero de 1905 en Granville, Francia. Su padre Maurice Dior era gerente de un grupo de empresas químicas que tenía su principal sucursal en Granville, donde Christian vivió toda su infancia. Madeleine Martin, su madre, fue la que le mostró a los Dior el refinado mundo de las tradiciones burguesas, motivándo así la elegancia de los outfits. Es ella también quien motiva a su esposo a comprar “Les Rhumbs” en 1906, que es la casa donde Christian pasó su infancia y adolescencia, es aquí también donde adoptó el estilo de su madre siempre preocupada de los muebles, la decoración interior y el diseño del jardín.

A través de los años Christian desarrolló un gran gusto por las fiestas, afición por el vestir y el interés en los estilos antiguos. Cuando ya era hora de decidir su futuro Christian entra al Instituto de Ciencias Políticas de París barajando la posibilidad de una carrera diplomática, pero su vocación en estos años era la arquitectura. Tenía su lado artístico muy desarrollado, estaba muy interesado en la música, el dibujo y la pintura y con su amigo Jacques Bonjeau, un dealer de antigüedades, abren una pequeña galería donde en un comienzo mostraban el trabajo de jóvenes talentos para luego expandir su oferta con la obra de prestigiosos artistas como Chirico, Tozzi, Dalí y Miro. Dedicó 6 años de su vida al arte del siglo XX lo que sin duda fue una gran influencia en su trabajo posterior.
El término de este período artístico va de la mano con la crisis económica de 1930, esta crisis obliga a Maurice Dior a vender todos sus bienes, incluido todos los muebles de Les Rhumbs, luego en 1931 su madre muere. Estas dos cosas marcan fuertemente a Christian sintiéndose sin hogar, comienza a vivir de casa en casa de amigos lo que no le agradaba. Todos estos hechos son los que harán que en años posteriores Christian compre muchas casas tratando de recrear en todas ellas su hogar de infancia, Les Rhumbs.

Christian llega al mundo de la moda a través del dibujo, hizo bosquejos para el diario Le Figaro desde 1935 a 1942, dibujando los diseños de otros es como comienza a desarrollar los propios ofreciéndoselos a diferentes casas de moda. En 1938 comienza a trabajar para Robert Piguet, pero su carrera fue interrumpida por la guerra. En 1941 se une al equipo de Lucien Lelong en París que fue la casa de moda dominante entre 1921 y 1948. En Lelong Christian trabaja junto a Pierre Bailman, en 1945 incluso consideran la idea de abrir una casa de modas juntos, pero ese mismo año Bailman se va para crear su propia firma y Christian queda como el diseñador principal de Lelong.
En 1946 Marcel Boussac, magnate textil, apoya a Christian para crear su propia firma que instaló en una pequeña casa estilo Luis XVI en la Avenida 30 Montaigne. El 12 de Febrero de 1947 la primera colección de Christian Dior es bautizada por Carmel Snow, editor de Harper Bazar, como New Look. Este es el comienzo de un éxito sin fin, la compañía pasó de trabajar con 100 personas en 1947 a 1500 en tan sólo 7 años lo cual representaba el 20% del empleo de la alta costura francesa.

Entre 1953 y 1956 compraron más inmuebles en la Avenida 30 Montaigne abriendo así la boutique de lujo más grande de todo París, en este lugar se vieron pasar a las 22 colecciones que Christian firmó desde la primera verano de 1947 al otoño invierno de 1957. Desde 1947 a 1953 sería el período del New Look poniendo énfasis a la silueta de tulipán, vestidos largos, cinturas estrechas y una estructura que modelaba la forma femenina. En 1953 para mantener su liderazgo innovador introdujo la línea H, la que algunos llamaron Flat Look, esta línea era más gentil con la silueta femenina.
En 1955 unió a su equipo a Yves Saint-Laurent, que en ese entonces era un joven de tan sólo 19 años, quien se transformaría en su discípulo favorito. Ya en 1956 lanza sus memorias donde da a conocer cuanto deseaba proteger su privacidad de las presiones de la vida pública, ese estrés es uno de los factores que quizás influyeron en su prematura muerte a la edad de 52 años un 24 de Octubre de 1957 después de un ataque al corazón.

Tras su muerte Marcel Boussac pensó en cerrar la casa de moda creyendo que la empresa no sería capaz de sobrevivir a la muerte de su fundador, pero Jacques Rouët, gerente general de la firma, pensaba que una empresa lo suficientemente madura había sido creada, por lo que convenció a Boussac de otorgar la responsabilidad creativa al joven Yves Saint-Laurent lo que fue una acertada decisión. Su primera colección, la línea “Trapèze” correspondiente a la temporada primavera/verano 1958 fue un éxito. Yves Saint-Laurent estuvo a cargo de los diseños de Dior hasta la colección de primavera/verano de 1960, desde ese momento en adelante el éxito de la Maison Dior Couture se debe a: Marc Bohan hasta la colección otoño/invierno de 1989, Gianfranco Ferré hasta la colección otoño/invierno 1996 y finalmente John Galliano que tomó la dirección creativa desde la colección primavera/verano de 1997 y quien sigue en el cargo hasta el día de hoy.

Tendencias

Tendencias

El carácter efímero de la moda debe ser considerado uno de los fundamentos esenciales del diseño y de la industria de la indumentaria. El mercado responde regularmente a cada temporada y relaciona al diseñador con una actividad analítica perceptiva vinculada con la idea de la obsolescencia continua.

Las prendas simbolizan la noción de lo descartable, la cultura lo descartable.no por su desgaste físico, sino porque al fin de la temporada para la cual fueron generadas, pierden todo tipo de valor de prenda. Sobre todo de una temporada ala siguiente , o al año siguiente. Sin embargo, pasados varios años, las prendas particulares de cada temporada pueden volver a adquirir sentido, y ser reutilizadas.

Entonces, respecto a las tendencias, se puede afirmar que son aquello que precede ala moda. La moda como sistema exige la noción de pronóstico.

Para encuadrar la situación de porque se habla de moda y de tendencias por separado, se deben puntuar algunas situaciones importantes, a detallar a continuación.

Las tendencias dependen del tiempo, pero de un tiempo anticipatorio. Fabrican las temporadas a modo de pronóstico. Las detectan y las venden lo laboratorios de tendencias mundiales, que generalmente están ubicados en las grandes capitales de moda: Paris, New York, Milán, Londres.

Los consumidores de los laboratorios de tendencias son las grandes marcas internacionales.

El proceso entonces, para definirlo en pasos, es el siguiente:

Los grandes diseñadores internacionales hacen sus propuestas de temporada. Los laboratorios de tendencia, preparan informes de 2  a 4 años de anticipación. Las marcas internacionales los consumen. Existen personas que son líderes de opinión y utilizan las prendas de tendencia. Luego llega al público masivo internacional (primero ala clase alta, luego ala clase media, y etc). Los productos se copian con otra resolución de menor calidad para el mercado nacional. Se presentan en desfiles, lo adoptan figuras famosas, se convierte en moda; y pasa a ser adoptado por la clase alta, clase media y se produce la masificación.

Paralelamente que la moda avanza , se va rechazando como vieja y se vuelve a buscar tendencia en los viajes de producto, para poder negar todo lo aseverado hace 6 meses.

Entonces , focalizando en las tendencias, se puede afirmar que las tendencias son visiones. Visiones de aquello que vendrá, que sucederá en un lapso de 2 a 4 años. Es un pronóstico que se plantea en base a un modelo de abordaje particular.

El problema en las tendencias, radica en aplicar soluciones proyectadas en un futuro hipotético. Entonces se comprende que lo que se debe detectar, o generar son hipótesis de futuro lo que plantea la necesidad de formular un paradigma o hipótesis de trabajo que impone creencias. Se debe imaginar una nueva forma de realidad, y darle un orden determinado. Las tendencias funcionan como pronóstico, en cuanto sistema evolutivo de la búsqueda de nuevos significados para el mercado.

En las tendencias se posee una temporalidad mayor de anticipación. Se presentan 2 años antes aproximadamente, o hasta 4.

Se trabaja con la desterritorialización de los signos y otorgamiento de nuevos significados que se democratizarán o masificarán en los productos de las vidrieras, mediados por el consumo y la repetición, que harán que el significado sea vaciado para ser recargado en la siguiente temporada.

Todo este proceso tan veloz de licuación y re carga de significados, pide desesperadamente el pronóstico.

Función del detector de tendencias.

El diseñador como sujeto proyectual está capacitado para elaborar diagnósticos de tendencias de consumo direccionados hacia la moda. Se tendrá en cuanta la noción de estrategia como proceso que conduce ala formulación de un problema y ala posterior configuración de su solución para la proyección de nuevos productos en un tiempo y espacio determinados.

El diseñador en el caso de un análisis de tendencias, utilizará la metodología proyectual como proceso de ordenación del proyecto.

Ya que el diseñador de indumentaria posee fuertes nociones de intertextualidad, propias del campo, mas el manejo cotidiano de lo contemporáneo, está enteramente habilitado para componer una mirada particular de las tendencias.

La noción de temporalidad, como eje rector del sistema de la moda, lo habilita para el constante ejercicio del tiempo “futuro”. El presente es en el universo de la moda. Es asi como diagnosticar tendencias para la moda implica comprender al fenómeno del vestir inmerso en la intertextualidad contemporánea a partir de comprender que la unidad discursiva estará dada por la intersección y superposición de signos. Esto implica que el diagnóstico de tendencia no se enuncia solo desde el rubro del vestir, sino que se comprende a éste en su contexto social, económico, político, temporal, artístico, musical, etc.

Los tipos de informes de tendencia de consumo para la moda son :

-informe conceptual, el que comprende la nocion de tendencia, carta color, pero esencialmente vincula conceptos e imágenes mas abstractas; lo consumen diseñadores, y hasta marcas de automóviles, marcas de maquillaje, etc.

-informe conceptual y formal, que comprende también los conceptos del informe conceptual, sumándole imágenes referidas al producto textil y objetos de diferentes áreas de diseño. Es consumido por diseñadores de indumentaria y/o textiles, diseñadores industriales, marcas más innovadoras de la media y no tan direccionadas al concepto de moda.

-informa producto, comprende el material de los dos informes anteriores y la diferencia es, que se direcciona mucho más a cierto rubro de indumentaria, dado a que se presentan tipologías rectoras de temporada. Esta categoría de informe es consumida por marcas más regidas por la moda, o con mayor necesidad de inserción en el mercado de la moda , el mercado de consumo; marcas más masivas.

Saber enunciar qué tipología va a consumirse la próxima temporada y en qué tonos preferenciales no demanda situaciones quiméricas ni fundamentos apocalípticos sino conciencia y capacitación acerca del análisis de un discurso particular.

Efectos de Movimiento

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Efectos de movimiento en la ilustración

El concepto de movimiento, por el cual un objeto o una persona cambia de posición dentro de un espacio, forma parte de lo que se ha llamado las cualidades del arte. En el dibujo, la vitalidad y expresividad de la obra depende del movimiento que transmita, y por ello es de gran importancia a la hora de realizar trazos.

Cuando movamos a un objeto o una figura, podemos hacerlo de varias formas, pero siempre tendremos que tener en cuenta que estamos creando una ilusión de movimiento, ya que nuestro dibujo es al fin y al cabo estático.


Una buena manera de dibujar nuestra figura es seguir estos pasos:

1. Dibujar la cabeza y hacia donde queramos que mire el personaje.
2. Señalar la dirección del cuerpo con una línea. Normalmente esta línea correspondería a la columna vertebral, pero ésta más bien señalaría la dirección global del cuerpo.
3. Señalar la dirección de las piernas y hallar el pie en el que se apoya el peso del cuerpo, y el pie en el que no. En el caso de tratarse de un salto, esto no hace falta.
4. Señalar la dirección de las manos.

Como se puede observar, lo importante es, en el caso de dibujar el movimiento, hallar las distintas direcciones hacia las que se dirigen el cuerpo, los brazos y las piernas. Son las líneas que van a guiar a aquel que mire el dibujo y le van a señalar por dónde ir. Estas se llaman líneas de dirección.

Para que una figura dé la sensación de que esté moviéndose, sus líneas de dirección han de ser lo menos verticales u horizontales posibles.

Las líneas deben de ser en su mayoría diagonales, ya que señalan un movimiento activo hacia uno de los lados. Cuanto más inclinada sea la diagonal, más extremo será este movimiento. Por ejemplo, una figura andando tiene una diagonal muy poco marcada, mientras que si corre está más inclinada.

Las curvas, por otro lado, también son diagonales, y crean mucha sensación de movimiento debido a que obligan a seguirlas con la vista y, en ocasiones, parecen crear efectos ópticos. Las curvas se utilizan con mucha frecuencia, especialmente en figuras femeninas.

El problema de esto es que, en muchas ocasiones, la figura parece que va a caer. Solucionaremos esto trazando una línea imaginaria desde la garganta del personaje hasta el suelo; en esta línea ha de estar situado el tobillo del pie que aguanta el peso y así la figura no se caerá. Esto se llama eje de gravedad.

Línea y movimiento

La línea de contorno en sí misma también da movimiento al dibujo. Esto se produce cuando se valora la línea y se hace más gruesa en algunos lugares y más fina en otros. De esta manera, la línea se vuelve también sinuosa y crea curvas que se mueven, al tiempo que da profundidad al dibujo. Las partes más oscuras, parecerán más cercanas al lector, y parecerán proyectarse hacia fuera, creando también sensación de movimiento.

La figura tiene la capacidad de girar y doblar la cintura, el cuello, los hombros, los codos, las muñecas y los dedos. Tanta flexibilidad da lugar a una multitud de posturas increíblemente amplia y muy expresiva. La figura mostrará gran variedad de estos movimientos, siendo la habilidad para combinarlos, especialmente los movimientos de las manos, uno de los elementos más valorados de un dibujante.

Lo mejor para dibujar las torsiones de la parte superior del cuerpo es basarse en las curvas para realizarlas y basarse mucho en la observación del cuerpo. Y siempre habremos de recordar algunas leyes básicas de dibujo que nos ayudarán, como el hecho de que si los hombros van para una dirección, la cadera va en la contraria.

La Luz en la Fotografía

Luz natural 

La emitida por el sol, que es nuestro principal proveedor de luz.

La luz natural dura:

La luz natural dura es propia de los días soleados, especialmente hacia el mediodía. Su principal característica es la acusada diferencia entre las zonas iluminadas y las zonas de sombra, que se traducirá en sombras profundas y perfiles marcados.

La dureza de este tipo de iluminación ayuda a imprimir fuerza y carácter al motivo de la fotografía, al presentar las imágenes intensos colores y un elevado contraste entre las zonas con diferente intensidad de luz.

Las sombras son más alargadas durante las primeras y últimas horas del día, otorgando una sensación de mayor profundidad a las imágenes. Durante el mediodía se acortan, presentando una iluminación más plana que resta volumen a la fotografía, que podríamos calificarla como menos interesante.

Valor de exposición: Determinar la exposición correcta, ante las acusadas diferencias entre las zonas iluminadas y las zonas de sombra, puede presentar dificultades. Donde debemos realizar la medición va a depender del soporte que empleemos.

Alto contraste: Una de las principales características de la luz dura es su elevado contraste, que en cierta medida podremos controlar de diversas maneras en función del soporte a emplear.

Dirección de la luz: A medida que avanza el día varía la posición del Sol y con él la dirección de la luz natural, que hará que las sombras cambien de forma, posición y ángulos. Una misma escena verá enormemente modificado su aspecto en función de la dirección de la luz.

Intensidad de la luz: La calidad de la luz variará en función de la fuerza y dirección, por tanto la intensidad dependerá de las estaciones del año y las distintas horas del día, adquiriendo su mayor dureza en el verano, al mediodía, especialmente en los puntos muy altos. Cuanto más intensa sea la luz más oscuras y recortadas serán las sombras, así como brillantes las zonas iluminadas, otorgando mayor contraste a la escena.

La luz natural difusa:

La luz natural difusa se produce los días nublados, al amanecer -antes de salir el sol- y  atardecer -al ponerse el sol-. La luz difusa la encontramos también en las áreas de sombra en los días soleados.

Al contrario que la luz dura, la luz natural difusa produce sombras muy suaves, se trata de una iluminación uniforme, con escasa diferencia de intensidad de luz entre las zonas más iluminadas y las menos.

Valor de exposición: Determinar el valor de exposición correcto no tendrá mayor complicación, debido a la diferencia menos acusada de intensidad de luz entre las zonas iluminadas y las zonas de sombra.

Bajo contraste: Con la luz natural difusa el contraste será mucho menor que en el caso de la iluminación con luz dura. Pese a lo que pudiéramos pensar inicialmente, con la luz difusa podremos lograr colores saturados y con gran riqueza de matices.

Dirección de la luz: Debido a la práctica ausencia de sombras, la dirección de la luz pierde importancia, lo que puede causar en nuestras imágenes una sensación de falta de profundidad, lo que llamamos imágenes "planas". Para compensar esa falta de sombras podemos jugar con la diferencia de tonalidades de la escena, con la profundidad de campo...

La luz difusa nos brinda una oportunidad única de recoger hermosas fotos de vegetación, al tratarse de una luz suave y sin sombras. Igualmente es muy adecuada para el retrato, al evitarse las molestas sombras que pueden afear un rostro.

Intensidad de la luz: Contar con menos intensidad de luz en ocasiones es una ventaja. Un claro ejemplo es en el retrato, al encontrarse el sujeto más cómodo ante la menor intensidad de luz, así el rostro aparecerá más distendido, evitándose muecas y guiños por las molestias que ocasionaría la luz del sol directa.

Luz Artificial

 Es aquella que proviene de lámparas, spots, flashes y otros objetos luminosos controlados por el fotógrafo, teniendo como ventaja el poder manipular la dirección, color e intensidad de éstas. Sin embargo el uso de luz artificial tiene un costo más caro de producción y requiere de conocimientos técnicos para manejarla adecuadamente; dependiendo de la cantidad de luces que se utilicen puede haber un límite de la extensión de la superficie iluminable, por lo que la luz artificial suele ser complemento de la natural y viceversa

Se añade intencionadamente a la luz ambiental de una escena. Puede ser tan sencilla como un flash o tan compleja como un banco de focos de estudio. Con un equipo adecuado nada impide recrear cualquier efecto luminoso. Pero, normalmente, lo que el fotógrafo quiere es elevar la luminosidad, de modo que el resultado parezca natural. La atención, por tanto, debe centrarse en el sujeto u objeto a iluminar y cómo impacta en éste la luz.

La luz artificial permite el control absoluto sobre la dirección, calidad e intensidad de la luz. Las fuentes luminosas pueden cambiarse de sitio y difundirse o reflejarse. La intensidad de la luz se elige en base al sujeto, o a la abertura y la velocidad que se hayan escogido. Todo lo estudiado acerca de la calidad y dirección de la iluminación natural se aplica a la artificial.